和魂洋才が追求されたイセタンサローネ メンズが丸の内にオープンから続く12月12日に東京・丸の内にオープンした「イセタンサローネ メンズ」は、4月にオープンした六本木の東京ミッドタウンの「イセタンサローネ」同様、“和”が空間デザインのテーマとなっている。売り場面積は約900平米と同規模ながら婦人服を中心とした六本木は2層での展開。今回の丸の内はワンフロアでのMD集積。三越伊勢丹グループが手掛ける中小型店舗事業の一環「スペシャリティストア」としてのブランディングと、新規顧客へのコンタクトポイントとして、今回の丸の内店は重要な意味を持つ。同店の内装を手掛けたデザイナーの辻村久信氏、大西洋・三越伊勢丹HD代表取締役社長、小島伸一・イセタンサローネ メンズ店長に話を聞いた。(今回のオープンに関して大西社長は)「12年前に伊勢丹新宿本店メンズをリモデルしたときに3年から5年以内に3000平米から5000平米の面積でイセタンメンズという名前で出店するという計画を持っていた。それからすると今回の丸の内の出店は遅すぎたという感がある。規模も現在、開発中のこのエリアで2、3年待てば3000から5000平米の面積の店舗を構えることも可能だったがコーナー立地でもあるこのスペースで今、出店することが現場としてベストの判断。丸の内、大手町というのは、当初から候補として予定していたエリアで、ビジネス街のこの地は当社の独自性が発揮できる場所でもあり、今後、伊勢丹メンズがどういうプロセスを経て成長していけるか重要な店となる」と語っている。同店は「おもあい(=思い合う)」という茶道用語をストアコンセプトに、MDは“粋”、販売サービスは“一期一会”、デザインは”上質なもてなしを体現“とそれぞれのコンセプトを明確化。特にインテリアデザインは、さまざまな遊びとこだわりで、同社が打ち出す「this is japan.」の企業コンセプトとも連動している。(大西社長は)「はっきりしているのはこの店はマーケットインではなく、プロダクトアウトの店だということ。10月に改装を果たした三越銀座店のメンズフロアや、他の店舗とは違ったスペシャリティストアとしての性格を明確に打ち出していかねばならない。決してラグジュアリー層だけをターゲットにしているのではなく、新宿店メンズ館と同様に中心は中間層に向けての品ぞろえであり、その中で独自性をどう発揮していくかが課題。今後3年間で5から10店舗程度にまで拡大を計画する中型店を成長事業の柱のひとつとして、イセタンサローネを育成していく」と今後の見解を述べた。今回、羽田ストアから同店店長に就任した小島伸一店長は「世界のビジネスの中心地でもある丸の内で1000平米規模の店舗はまさに夢だった。イセタンメンズとして顧客接点の拡大、顧客満足の向上の二つが重点課題であり、新宿店リモデルから12年を経過して次のステップに向かわなければ我々にとって、この店から多くのヒントを得ることが大切な目的」と話す。売り場は「強さ=ビジネス」「優しさ=カジュアル」「楽しさ=雑貨」の3本柱のゾーニングで構成されているが、その根底はすべて茶の湯の教え。日本の美意識の根底にある五感や独自の時間の概念に基づいて空間が構成されており、江戸と京都の親和性が店舗デザインという手法で構成されている。「(三越伊勢丹から)約半年前に“未来の百貨店とは?”というインタビューを受けたことからこの店の話がスタートとした。店舗全体は日本家屋に見立てたが、エントランス部分を吹き抜けに、家屋部分は低天井にして目に見えるデザインだけではなく、販売員の所作が美しく見える什器デザイン、お客様が他のお客様の視線が気にならない配慮など、目に見えないおもてなしのデザインを心がけた」と辻村氏。商品はインポート中心ながら、例えば書斎を想定しシガーやウイスキー、筆記具などを扱う英国調の空間には、国産の絹糸100%の布に越前和紙を裏打ち加工した絹布紙が壁面什器に使用されるなど、細部にメイド・イン・ジャパンが誇る技法が使用されている。「紳士服は婦人服と違ってアイテム数が多く、いかに店頭で見せることができるかが重要だということは、これまでの経験からも理解していた。今回は話を頂いてからオープンまで時間との闘いで、こだわったわけではないが、結果的に自分のホームグランドである京都の職人の技術や素材をほぼ使うことになった。什器の無垢材はすべて北山の木で揃えた。ビジネスクロージングのカウンターは杉、ギフトとシューズの什器にはモミ、カジュアルゾーンの什器はヒノキを使用している。ファサードの鍛鉄のレーザーカットは亀岡、床の洗い出しは桃山砂、ラグの緞通は今では唐津と丹後でしか作れるところがなく、今回は丹後の職人さんにお願いした。デザインというのは形やモノを作る仕事だけではなく、人と人をつなぐ仕事という考えから、この店がイセタンサローネのスタッフとお客さんがつながることのできる空間を第一に考えた。出来上がった空間に心を入れて頂くのは、ここで働くスタッフの方々」と辻村氏は話す。Text:野田達哉
2015年12月18日人工知能を搭載したスタイリングアプリ「SENSY」が来年1月中旬までの期間限定で、イセタンメンズ専用のアプリ配信をスタートした。これによって伊勢丹新宿店メンズ館が、今年9月より店頭でデジタルサイネージとタブレットを使用して、店頭で接客サービスとして活用されていた同アプリを、ユーザーがダウンロードすることで店外でも同様のサービスを利用できることになった。アプリの利用料金は無料。SENSYは「手のひらに、スタイリストを」をテーマに、人工知能を活用することで、ユーザーの嗜好に応じたコーディネートを提案するシステム。従来のレコメンドエンジンが単品での提案が主だったのに対し、テイストを反映させたアイテムの組み合わせを表示する。今回のイセタンメンズとのコラボアプリでは、伊勢丹メンズのバイヤー4名がアイテムをレコメンドしていく過程でアプリ内にそれぞれの人工知能が育成される。ユーザーはお気に入りのバイヤーとリンクしておくことで、第3者の視点によるコーディネートの提案がどこでも受けられることになり、来店時にあらかじめそのコーディネートが売り場に用意されているというサービスが可能になり、ECでも購入が可能となる。「(SENSYは)9月の導入時から、時間と場所を選ばない買い物体験をテーマにECの売り上げ拡大を目指しており、今回はそれを進化させたもの。我々のウィークポイントであるフロアを跨いだ縦動線の接客が可能となることが大きなメリット」と三越伊勢丹・紳士営業部の岡田マネージャー。今回のアプリでは2階インターナショナルデザイナーズ、6階コンテンポラリーカジュアル、7階オーセンティックカジュアルから4名のバイヤーが人工知能を作成。伊勢丹オンラインストアと連動した約1000アイテムから、ウェアとシューズ4~5アイテムによるコーディネートが作成される。「店頭とECをシームレスにつなぐオムニ戦略の一環として実験的な段階ながら、将来的にはスタイリストや販売員、セレブなどさまざまなインフルエンサーの人工知能が搭載されることで、2000ブランドを超える膨大な商品アイテムを誇る伊勢丹メンズの楽しさを広げていきたい」と同マネージャーは話しており、既存のSNSによる拡散マーケティングとは違ったリテール戦略が興味深い。Text:野田達哉
2015年12月17日ルシアン ペラフィネ(lucien pellat-finet)から初のアートポスター4作品が各世界限定20点で販売される。今回、発表されたのは2011年に発売されたアートブック『SKULL STYLE:Skulls in contemporary Art and Design』の表紙に使用された4つのスカルモチーフ。12月16日から25日まで伊勢丹新宿店メンズ館2階で開催される同ブランドのポップアップショップで展示販売される。今回のアートポスターは、近年海外でも注目を集めるジークレー版画とシルクスクリーンを組み合わせたネオシルク版画と呼ばれる日本の技術を使用。360°GRAPHICSの協力により、以前にルシアンとカシミアセーターでコラボした田名網敬一をはじめ、オノヨーコ、横尾忠則、草間彌生、森山大道、ヒロ杉山、伊藤桂司などのシルクスクリーンプリントを手掛けている伊丹裕が作品を監修している。同氏はコム デ ギャルソン(COMME des GARCONS)とのコラボレーションでも知られるシンガポールのアートディレクター、テセウス・チャンが2014年11月に代官山 蔦屋書店で開催した個展『WERK: WE WORK TOGETHER』のネオシルク版画も手掛けたことで知られる。価格はB4サイズが15万円と17万円の2種類(いずれも額装込みの価格、額装なしは14万円と16万円)で各20枚の限定販売。B3サイズも期間中のみ予約が可能。Text:野田達哉
2015年12月16日12日、東京丸の内に三越伊勢丹ホールディングスの新業態となるメンズファッションセレクトストア・イセタンサローネ メンズ(ISETAN SALONE MEN’S)がオープンした。以前、「バーバリー丸の内店」のあった新東京ビル1階で、売り場面積は約900平米。品ぞろえの全体の6から7割が春物で構成されている。日本家屋をイメージした空間構成で店舗デザインはストラスブルゴやキートンなどのメンズストアでの経験豊富なデザイナー・辻村久信が担当。同氏の手掛けた店舗としては過去最大規模で、現代の素材とテクノロジーを融合し「和魂洋才、優雅さと合理性」が追求された。白木の什器や和紙、洗い出しの床など木、紙、土と日本の伝統的な自然な質感を生かした内装で、江戸の粋を京都の素材と職人技で仕上げられている。日本家屋の庭が想定されたエントランス付近には、ニコライ・バーグマン(Nicolai Bergman)のフラワー、フレグランスやコスメ、スキンケアなど水と植物などのイテムを集積することでさながら池のように動きを与えている。また、茶の湯の待ち合いのエリアにはフォーナインズ(999.9)の眼鏡の売り場を配し、帽子と共に丸の内エリアで最大レベルとなる品ぞろえで充実を図っている。その脇には茶室を想定したスペースにはジャン=ポール・エヴァン(JEAN-PAUL HEVIN)が新形態となるチョコレートバーを出店。世界で初となるミルクを使わず水で作るショコラショもこの店だけで飲むことが出来、“ビター”なメンズストア対応を図り、この店舗でしか体験できない”ティータイム”を提案。店舗奥のビジネスゾーンは蔵の位置づけで、オーダーカウンターには杉の無垢材に平瓦、床はハンドフックの小紋のラグ、壁には金箔や砂子を施した手漉き和紙などさながら銀座の高級寿司店を思わせる仕掛け。シューズやシャツなど、レディスに比べ圧倒的に豊富なMDが整理されて見やすい環境で提案されている。離れを想定したカジュアルゾーンはガラスを用いた光環境で、トム ブラウン ニューヨーク(THOM BROWNE. NEW YORK)、メゾン マルジェラ(Maison Margiela)、マーク ジェイコブス(MARC JACOBS)、ディースクエアード(DSQUARED2)、メゾン キツネ(MAISON KITSUNE)、日本のブランドではビズビム(visvim)、エヌ. ハリウッド アンダーサミットウエア(N.HOOLYWOOD UNDER SUMMIT WEAR)、コーネリアン タウラス バイ ダイスケ イワナガ(CORNELIAN TAURAUS BY DAISUKE IWANAGA)の代表的なアイテムが並び、新宿店メンズ館のダイジェスト版といったブランド構成。通りに面したファサードは、鉄を葉の形に切り出し溶接した鉄骨のオブジェがショーウインドーを飾り、垣根を想定。帽子のディスプレーには京都の西山の枝をアクリルに封入した什器で、庭の植栽を想定するなど日本家屋の構造様式が徹底されている。*次回は辻村久信氏、大西洋社長などのインタビューText:野田達哉
2015年12月14日ピエール・エルメ・パリがニコラ・ビュフと「愛のものがたり」をテーマにした特別なアートコラボレーションを、2016年1年間にわたり全世界の店舗でスタートさせる。既に、ピエール・エルメ・パリ青山店2階の壁面には、今回のストーリーのスケッチやテーマとなる公園、主人公が描かれている。バレンタインデー、ひな祭りなどの季節に応じて、さまざまなパッケージや特別なマカロンやショコラが販売され、店舗環境も同物語で展開される予定。コムデギャルソン・シャツやエルメスとのコラボレーションで、ファッションシーンにおいても知られるフランス人アーティストのニコラ・ビュフは、現在東京を拠点に活動。日本やアメリカのアニメやサブカルチャーを、ヨーロッパの中世、ルネサンスやバロックの古典様式と融合された作品で知られる。これまでに東京現代美術館、原美術館やフランスの国際現代アートフェア、フランスの美術館などで作品を発表。パリ・シャトレ座公演オペラ「オルランド パラディーノ」のヴィジュアルデザインなどその活動は幅広い。今回の物語は「太陽の王国」のエリオスと「月の王国」のロクサーヌを主人公に、詩的な愛と冒険の世界が描かれ、ストーリーは1年間を通じて順次発表されていく。登場するキャラクターはロクサーヌの着飾ることが大好きな末妹や、彼女が飼っている猫、愛し合う二人の鍵を開けられる能力を持つエリオの友人のロボットの「キュピドン」など、アニメ的な各キャラクターが次々に予定されている。中には70年代の永井豪原作のロボットアニメ「UFOロボ・グレンダイザー」からヒントを得たというロボットも登場する。それぞれの登場キャラクターは特別パッケージに描かれ、5個入りから40個入り(日本橋三越限定)まで、デザインを違えて全世界のメゾンで展開される。「このプロジェクトの最初打ち合わせで、パリのピエール・エルメのメゾンを訪れたときに時差ボケもあって、メゾンの近くにあるモンソー公園をピエールと散歩しながら話をしたんだ。その時に彼とグレンダイザーの話をしたかもしれない(笑)。後でモンソー公園の歴史を調べると18世紀の貴族のテーマパークだったことが分かった。不思議な建物やアーチが残っていて、それは本物だったりフェイクだったりいろいろ。ちょうどその時にオペラの魔笛の仕事をしていたこともあって、公園のストーリーがどんどん広がりました」とニコラは話す。そのモンソー公園を描いた絵はパッケージにもなり、青山店の壁面にも描かれている。主人公の名前がロクサーヌと聞くとポリスの曲を想起するが「もちろん、ポリスの曲もそうだが、月に関係する言葉で強い女性の名前を考えていた。ちょうどパリで手掛けていたオペラがアレキサンダー国王の話で、王女がアゼルバイジャン出身のすごく強い女性の話。その名前がロクサーヌだったことも奇妙なつながりだった」とニコラは作品の不思議な縁を説明してくれた。詰め合わせのショコラも今回の物語のキャラクターの性格に合わせ、エリオスにはブラジルショコラのガナッシュ、ロクサーヌにはバニラ風味のショコラノワールと、パッケージだけではなくレシピにもその性格が反映されており、ストーリーから世界を紡ぐ二人の1年間のコラボが楽しみだ。Text:野田達哉
2015年12月08日ヴェルサーチ銀座店(VERSACE GINZA)のオープニングパーティーが11月25日に行われた。5月に表参道の「ヴェルサス ヴェルサーチ(VERSUS VERSACE)」、7月には銀座5丁目に「ヴェルサーチ ホーム(VERSACE HOME)」の路面店がオープン。09年に紀尾井町の本店が閉鎖されて以来、待ち望まれたヴェルサーチのフルラインがそろう旗艦店の復活となった。1階をアクセサリー、2階にメンズ、3階がウイメンズのプレタポルテをゴールドの階段が案内するこの3層の空間を、アーティスティック・ディレクターのドナテラ・ヴェルサーチは「イタリアの文化遺産に敬意を表したデザインを非常に気に入っている。新生ヴェルサーチのスピリットが羽ばたけるためのスペースとなった」とコメントを寄せているストアコンセプトはドナテラとイギリス人建築家のジェイミー・フォバート(Jamie Fobert)によるもので、1階はビザンチン様式の教会からインスパイアされたというモザイクの床に、透明のアクリル樹脂の什器とビビッドなロゴサインのオブジェを配し、バッグを中心にシューズ、アイウェア、来春夏より本格的な展開をスタートするスカーフなどを提案。2、3階は加工を違えたイタリア原産の大理石を床に贅沢に使い、白い壁にはアールが施され、真鍮、透明のアクリル樹脂が、80年代のヴェルサーチスタイルをよみがえらせつつ、コンテンポラリーなラグジュアリースタイルな空気感で表現されている。同店のオープンで交詢会通り沿いにはバーニーズ ニューヨーク、ブルネロ・クチネリ、ヴェルサーチのファサードが並び、オープニング当日、並木通り沿いではフォトコールが華やかに行われ、ゴールドのメデューサの復活に銀座が沸いた。Text: 野田達哉
2015年12月04日ヴィヴィアン・ウエストウッドが装丁をデザインした『不思議の国のアリス・150周年記念アニバーサリーエディション』の発売を記念したパーティーが11月28日、東京・南青山のIDOLで行われた。会場にはヴィヴィアン本人が好きだという同書・第7章「MAD HATTER’S TEA PARTY」の世界で空間を演出。28日に行われたパーティー会場にはヴィヴィアン・ウエストウッドのヴィンテージドレスと共に、帽子のアーカイブが展示された。招待客も「MAD HATTER」のドレスコードに沿って、ルイス・キャロルの“帽子屋”をそれぞれのヴィヴィンアンのコードで装い、骨董通りにビッグハットが集まった。この「MAD HATTER’S TEA PARTY」をモチーフにしたインストアイベントが、11月29日から12月6 日まで、ヴィヴィアン・ウエストウッド青山店とヴィヴィアン・ウエストウッド マン表参道店で行われる。インストアイベントでは15-16AWコレクションでも発表されたマウンテンハット(ブラック・ボルドー、キャメル 各4万1,000円)、ピルグリムハット(15万円)を数量限定で発売。また、書籍『不思議の国のアリス』150周年記念アニバーサリーエディション(3,600円)も両店舗で扱われる。(ピルグリムハットはヴィヴィアン・ウエストウッド マン表参道店でのみの販売)ヴィヴィアン本人は、この特別エディションに装丁デザインだけではなく、序文も寄稿しており、自分にとって著者のルイス・キャロルとこの物語が、いかに重要な意味を持っているか語っている。そして「子供たちよ!お気楽に生きないようにね。あなたが見ているものは、そう見えているように仕組まれているだけで、それがすべてではないのよ」と、彼女らしいメッセージを贈っている。Text:野田達哉
2015年11月29日世界各地の大学で「知的財産」と「起業」について講義を行っている、イタリアの靴メーカー、ジェオックス(GEOX)グループの会長、マリオ・モレッティ・ポレガート氏が早稲田大学での講演のために来日した。マリオ会長は北イタリア・トレヴィゾのワイン生産家の三代目として家業を継ぎながら、90年代初めにあることをきっかけにシューズブランドを創業。カジュアルシューズメーカーとしてまたたく間に売り上げを拡大。ベネトン、デロンギなどグローバルなブランドを生み出すトレヴィゾ特有のブランディング戦略にも注目が集まっている。ジェオックスグループは創業10年足らずの04年にミラノ証券取引所に上場を果たした。マリオ会長の起業力、急成長させたビジネスリーダーとしての資質が話題を集め、00年代に入ってさまざまな大学の客員教授として招聘。これまでに伊ヴェネツィアのカ・フォスカリ大、ボストンのMIT、ケンブリッジ大、コロンビア大、北京大、香港大、モスクワ大などで講義やカンファレンスを行っている。「そもそものきっかけは米国ネバダ州リノの砂漠。ワインの展示会でリノを訪れ、散歩していたときにゴム底のスニーカーが蒸れてあまりに暑くて不快だったので、持っていた旅行用のスイスのアーミーツールのナイフで靴底に穴を空けたんだ。それがすべての始まりさ」とマリオ会長は楽しそうに話し出す。その効果が快適でゴム底に通気口を空け、防水機能を持たせた“呼吸する靴”の特許を世界100ヶ国で登録。「その当時は靴を売ろうとは思っていなかった。アイデアを売ろうと思っていた」(マリオ会長)が、3年経ってもそのパテントに興味を持つ企業は現れず、それならと自らヴェニスにシューズメーカーを設立。5人の仲間と数人の大学生でスタートしたシューズメーカーは、現在イタリアのカジュアルシューズメーカーとしては業界トップの地位を確立。現在、世界115ヶ国で1,250店舗を展開しており、14年度の売上高は前年比109.6%で約1,200億円。世界中で約2,000万足を販売し、その内イタリア国内では700万足を販売し、イタリア国民の8人に1人が購入している計算になる。「我々の成功の要因はテクノロジー、イタリアンモード、コンフォータブル(快適さ)の3つ。コレクションのモードはアーバンスタイルだが、我々はデイリーなアーバンでの快適さを求めた結果だ。ゴム底シューズの国内シェアは95%に達しているが、今後は革底靴、ウェアへとテクノロジーを広げていく」とマリオ会長は意欲的。自身もルーマニアやイタリアで農業、獣医学、化学、経営学、経済学と次々に博士号を取得し、欧州の各大学の生徒との共同開発を進めており、最新テクノロジーを活用した生徒とのコラボ企画などにも意欲的。一方で、デザイナーラインとしてパトリック・コックスも展開し、ファッションアングルでの視野の広さや、イタリア、スペインでスタートしているダウン症児との協業など企業活動も、講師として認められる所以だ。家業のワイン農家は7つのブリュワリーを持ち、年間約3,000万本以上を販売しており、その盤石なる歴史があってのジェオックス成功秘話ながら、「一つのアイデアは一つの工場より価値がある。イノベーションに投資したい人は世界中に多数いる。日本のテクノロジー、企画力には世界中から注目が集まっており、若い世代のパワーに期待している」と同会長は話している。Text:野田達哉
2015年11月25日マルセロ・バーロン(Marcelo Burlon)の12インチレコードとUSB、スリップマット、Tシャツのボックスセットが、11月21日より伊勢丹新宿店メンズ館2階インターナショナルクリエーターズにおいて数量限定で販売される。価格は9万円で世界100セット限定。楽曲のダウンロード配信は11月16日にスタートしており、CDの販売、ダウンロードが伸び悩む音楽市場を尻目に、マルセロらしいコレクター心を刺激するラグジュアリーピースが東京から販売がスタートした。「マルセロ・ブロン カウンティ・オブ・ミラン(Marcelo Burlon County of Milan)」として初めての音楽メディアのアイテムとなる今回のプロジェクトは、2016SSウイメンズのコレクションでも曲が使われたDJ・音楽プロデューサーのダビデ・スクィラッチェ(DAVIDE SQUILLACE)とのコラボによる「Gualicho」として発表。DJとしての経歴を持つマルセロと「This And That Lab」というレコード会社を運営するダビデの共作で、デジタルミックスが収録されたUSBスティック、ピクチャー盤になった12インチレコード、ターンテーブル用のスリップマット、限定Tシャツがスペシャルボックスに収められている。楽曲はトライバルなテクノハウス。Tシャツやスリップマットなどは同ブランドのアイコンのウイングモチーフとテクノモチーフがミックスされたグラフィックが、トロピカルな仕上がりになっている。ダビデ・スクィラッチェはイタリア、シエナ生まれのナポリ育ち。2010年6月に行われた千葉・ビッグビーチフェスティバルに来日、DJとしてプレイしている。Text:野田達哉
2015年11月21日「ナチュラルな方が好き?ここは3mmでOKだよね?と、結構細かくリクエストを聞いてくるので、少し驚いた。もっと勝手にヘアスタイルを決められるのかな、と思っていたので。日本でカットするより会話したかも」と話すのは、日本で最初にブラインド・バーバー(BLIND BARBER)でヘアカットしたエディターの矢代真也さん。2010年にニューヨークで誕生したブラインド・バーバーのポップアップ店舗が11月6日、神宮前のトッド スナイダー・タウンハウス(TODD SNYDER TOWNHOWSE)に1日だけオープンした。バーとカフェに併合された床屋、というコンセプトが人気を呼び、同様のカフェ&バーバーの複合ショップはニューヨークのメンズヘアサロンの新しい潮流になりつつある。同店は現在、NYのイーストビレッジとブルックリン、LAの3店舗を展開。日本では今夏より「ブラインド バーバー」ブランドのグルーミングプロダクトの販売が開始されているが、リアルな“バーバー”は初上陸。NYで最も予約が取りにくい理髪師と言われるイーストビレッジ店のロブ・マクミレンも来日し、東京では限定5名でヘアカットを行った。「5年前に僕たちがこのスタイルで始めたのは、その頃、男が髪を切る場所がなかったからなんだ。日本も同じだと聞いたけれど、当時はクラシックな“バーバー”もしくは、ヘアサロンの椅子に女性たちと一緒に並んで座るしかなかった。そこで僕たちはクラシックなクラブハウスのようなところで髪を切ることを考えたんだ。僕の祖父が若い頃に行っていたようなクラブ。別に特別な用事がないときでもそこに行って、ビールを飲みながらTVでスポーツを見たり、新聞を読んだり、仲間とトランプしたりというような場所」と話すのは、ブラインド・バーバーのジェフ・ロウCEO。実際に米国の店舗では、オリジナルカクテルからサンドイッチまでフードも充実しており、ヘアカットは日本円で4,500円程度と手頃。東京は初来日だと言うジェフCEO。トッド スナイダーの店舗は「我々にピッタリな空間だった」と興奮気味に話す。2階のバー&カフェスペースでは、ブルックリンラガービールとクラブハウスサンドイッチ、ご近所からグッドタウンドーナツも用意された。同ブランドのプロダクツやTシャツなども販売され、NYの店舗さながら。「4店舗めは東京に出店したい」(同)とご機嫌に話すのも冗談ではなさそうだ。Text:野田達哉
2015年11月09日ボリオリ(BOGLIOLI)がメンズ、レディスのクリエイティブディレクターとしてダヴィデ・マレッロ(Davide Marello)の就任を発表した。ボリオリがクリエイティブディレクターを起用するのは初めてのこと。ダヴィデによるニューコレクションは1月に行われる2016秋冬ミラノメンズコレクションで発表される。ボリオリは昨年からそれまでコレクションを発表してきたフィレンツェのピッティ・ウオモから、ミラノメンズの期間中にミラノでのプレゼンテーションに変更しており、ミラノに旗艦店もオープン。今年9月には東京・丸の内にも日本1号店となる旗艦店を出店し、その時に来日していたジョバンニ・マヌッチCEOは「ボリオリの誇るイタリアの伝統的なテーラーリングの技術をより広く、モダンに提案していく挑戦を現在考えている」と話しており、ブランドのトータルな発信力の強化が急がれていた。今回の発表では「我々の顧客は、ボリオリのジャケットのモダンでタイムレスな点を評価してくれている。しかし、急速に変化する現代においてブランドの歴史や価値をより深く知りたいという人が増えている。今回のクリエイティブディレクターの起用により、さらなるブランドの革新とエクセレンスとエレガントを深めていきたい」とコメントしている。新ディレクターのダヴィデ・マウロはミラノ在住。祖母が裁縫師だったという影響から、早くからファッション業界のキャリアをスタート。ジョルジオ・アルマーニでキャリアを積み、グッチで9年間メンズのフォーマルの責任者を務めた。Text:野田達哉
2015年11月06日年2回のピッティウオモ出展とメルセデスベンツファッションウィーク東京(MBFWT)のランウェイでコレクションを発表する「パッチーケークイーター(Patchy Cake Eater)」。16SSコレクションは会場中央に2台のビリヤード台が置かれ、モデルがプールバーでゲームを楽しむスタイルそのままでショーが進行。バイカラーのTシャツ、ギンガムチェックとストライプをチェストで切り替えた半袖シャツ、礼装用のスターチドブザムになった比翼仕立ての半袖シャツにはボウタイでショートパンツにエナメルのモンクストラップ、MA1、スタジャンもショートパンツでミニマムに、水玉と無地をウエストで切り替えたジャケットにはボーダーTでテディボーイ風の着こなしと、異素材、対極の組み合わせのスタイリングが並ぶ。ジャケットはこれまでのタイトシルエットから、ややゆったりめのボックスシルエットに変化し、メンズファッションの今の気分を的確にスタイルに昇華し、節操なくミックスするのは同ブランドならではの洒脱さ。素材、縫製、ディテールのこだわりなどもピッティで鍛えられたクオリティを感じさせる。シーズン毎にショーの見せ方が大きく変わるため、そのテーマにとらわれ過ぎてイメージをつかみ取るのが難しいブランドながら、シーズンを重ねるにつれて、ラグジュアリーを志向するアジアンメンズの潮流のリアルなシーンを支えていることは確かだ。ピッティウオモでの16SSコレクションの展示が6月、それから約4ヶ月遅れの東京でのランウェイというタイムラグが、グローバルなビジネスから見ればネックながら、「生まれ育ったホームグランドの東京で見せるのは、MBFWTのステージが自分の場所だと思っているから」とデザイナーの森野重紀。Text:野田達哉
2015年11月06日第33回毎日ファッション大賞の表彰式が11月5日、日本橋三井ホールで行われた。年間(2014年6月から2015年5月)を通じて、もっともファッション界で活躍した人、企業、団体を表彰する同賞は1983年にスタートし、今回が33回目。大賞はsacaiの阿部千登勢が2007年以来、2度目の受賞となった。これまで大賞を2度以上受賞しているのは川久保玲、三宅一生、山本耀司、高橋盾の4人。「8年前に受賞したときと気持ちは何ら変わっていない。ブランドをスタートして17年間、好きなことだけを追求してやってきたが、周りに支えられたという思いは変わらない。まだまだやらなければならないことばかりで、8年があっという間に過ぎたという思いが強い。これからも自分の見たことのない景色を見たい。世の中にもっと自分の知らない、違うものがあると思って活動を続けていきたい」と阿部千登勢は受賞の喜びを話した。そのsacaiのダウンウェアを始め、海外のラグジュアリーブランドに多用されている合繊の高密度織物メーカー、第一織物が特別賞を受賞。鯨岡阿美子賞には、NYにスタジオを構え、パターンメーカーとして海外のデザイナーから信頼の厚い大丸隆平(oomaru seisakusho 2 inc.代表)が受賞。両者がともに「メイド・イン・ジャパンとしての誇り」を受賞のスピーチで述べたのが印象的。話題賞には銀座で2ヶ月間に渡り「エスプリ ディオール ー ディオールの世界」展を開催。12月に国技館でランウェイショーを行い、ディオール表参道店をリニューアルオープンするなど、日本との関わりを強めているディオールが受賞。新人賞・資生堂奨励賞はクリスチャンダダ(CHIRISTIAN DADA)の森川マサノリが受賞。「世界で戦えるブランドにしたい」と15SSよりパリメンズコレクションに進出したことなどが評価された。表彰式後の会場では、同ブランドが10月にメルセデスベンツファッションウィーク東京(MBFWT)で発表した16SSウィメンズコレクションのランウェイが行われた。text:野田達哉
2015年11月06日工事用の三角コーンが置かれたステージに、男性ボディビルダーがポージングするなかをファーストルックのボンディング素材のドレスをまとったモデルが登場。この数シーズン、インスタレーション形式での発表が続いていたシアタープロダクツ(THEATERE PRODUCTS)が3年ぶりのランウェイを10月23日、東京の青山スパイラルホールで行った。強い女性、男性に負けずパワフルに仕事をこなす健康的でタフな女性像を「CONTAINER」というテーマで表現した16SSコレクションは、ホームセンターから着想されたDIY的ディテールがさまざまなアイテムに現れる。オープニングの衝撃吸収用のボンディング素材を始め、梱包用のテープで刺繍されたニット、工具モチーフのエンブロイダリーのドレス、フルーツカバーをイメージさせるニット、ボルト型ボタンのジャケット、ブーメラン(パンツ)型のクラッチバッグ、テントや日よけ素材のトートバッグ、モデルの足に貼られた絆創膏のブランドロゴと、まさに“シアター”を思わす楽しいコレクション。「女性の内面の強さとの対比で、強さを象徴するマッスルからボディビルダーという演出をとった。物量にあふれた80年代の“ザ・アメリカ”をモチーフにしたくて、シアトルのホームセンターにインスピレーションソースを求めた。“ジェンダーレス”というのではなく、男性と洋服のことについて話せる材料として工具のディテールなどの曲線や、ワークウェアの機能を洋服のデザインに落とし込んだ」とデザイナーの森田美和。デビューから15年を経過。これまで30を超えるストーリーを紡ぎながら、アメリカをテーマにしたことはなかったという同ブランドが、新しいフェーズを迎えたシーズンとなった。Text:野田達哉
2015年11月04日銀座三越7階リビングフロアがリモデルグランドオープンから2週間を経過し好調だ。特に「日本の美」をキーワードに、美術品とやきもの、リビング用品などを自主編集した平場「ジャパンエディション(Japan Edition)」は、前年比70%増を超える売り上げで推移しており、客単価は前年に比べ倍増という勢いだ。「(ジャパンエディションの売り場は)グランドオープンの1週間前の10月7日にオープンしたが、お客様からは売り場が見やすくなり、楽しくなったという声をいただいている。(前年比70%増という数字は)食器の一部のブランドが併合されており、実質40%増程度だと見込んでいる、特に今回、新たに取り組んだ“アートなインテリアアクセサリー”の商品が好調で、購買額が5万円以上の顧客数が50%増で、50万円を超える高額品が動いている」と同売り場の谷津洋史マネージャー。同店が今回新たに取り組んだ「アートなインテリアアクサセリー」とは工芸品バイヤーがセレクトしたフィギュアやオブジェなど作家の1点もので、従来、ギャラリーでの催事や作家の個展などでケースの中に陳列されることが多かった他作品。今回のリモデルで食器や茶道具などと一緒に提案されたことが、新規需要の開拓につながっており、工芸品単体では目標の3倍近い売り上げという。「客層は地方からのお客さんと男性客の増加顕著。訪日外国人の売り上げの伸びは前年比230%を超えており、売り上げ全体の4割近くを占めている」と谷津マネージャー。欧米からの訪日外国人には金工(自在置物)作家・満田晴穂のフィギュアや染色作家の柚木沙弥郎の布などが人気で、中国からの訪日客には銀器や絵画が好調。またM2階から移設された「サロンドきもの」は、ジャパンエディションに売り場が隣接されたことでの買い回りがスムーズになり、和装小物などが好調。新規顧客が増え、売り上げは前年比40%増で推移している。グランドオープンに合わせエスカレーター前にイベントステージで開催した盆栽も好評で、同スペースで新たに導入されているヒノキのアロマデフューザー、音響デザインなども、環境面への心理的効果を上げているという。Text:野田達哉
2015年11月02日16年1月に開催される第89回ピッティ・イマージネ・ウオモ(PITTI IMMAGINE UOMO:以下ピッティ・ウオモ)のデザイナープロジェクトとしてアディダス オリジナルス バイ ホワイトマウンテニアリング(adidas Originals by White Mountaineering)が特別イベントとして招待されることが決定した。ホワイトマウンテニアリングはピッティ・ウオモで13年1月に招待デザイナーとして招かれランウェイを発表しており、15年1月にはデザイナーの相澤陽介とバブアー(Barbour)とのコラボレーションラインを同ブースにおいてインスタレーション形式で発表。今回は3年ぶりにショーでの発表が予定されている。今回発表されたアディダスオリジナルスとのコラボレーションラインは16SSよりスタートしており、15-16AWコレクションは今回のピッティ・ウオモが初のお披露目となる。なお今回のピッティ・ウオモではメンズウェアのスペシャルゲストデザイナーとしてパリで活動するジュンジー(Juun.J)が、初の韓国人デザイナーとして招待され、ショー形式でのコレクションを予定。ウィメンズのゲストデザイナーにはフェンディ(FENDI)のメゾンで15年の経験を持ち、現在もフェンディのアクサセリーデザインを手掛けているイタリア人デザイナー、マルコ・デ・ヴィンチェンツォ(Marco De Vincenzo)が選ばれた。さらに、インターナショナル・ウールマーク・プライズのメンズ部門のファイナイスと6名のデザイナーがピッティ・ウオモの期間中に発表されることが決定している。同賞のウィメンズはこれまでカール・ラガーフェルド(Karl Lagerfeld)、イブ・サンローラン(Yves Saint Laurent)などが受賞した歴史を持ち、14年よりメンズウェア部門が新設された。今回の受賞者は、賞金として10万オーストラリアドルが授与され、その作品は、三越伊勢丹を始め香港のジョイス、イタリアのディエチ・コルソ・コモ、米国のサックス・フィフス・アヴェニューなど、世界有数のストアにて販売される。text:野田達哉
2015年10月31日ナイキラボ(NikeLab)とアンダーカバー(UNDERCOVER)のコラボレーションによるランニングコレクション「ギャクソウ(GYAKUSOU)」の15フォールホリデーコレクションが29日より、オンラインストアNIKE.COM/NikeLabと一部店舗で販売が開始された。それに先立ち、28日夜、東京プリンスホテルのガーデンアイランドでスペシャルイベントが開催された。ブランドスタートから5年目という節目を迎えたこともあり、会場には過去のアーカイブが展示され、当日は芝公園を中心にアンダーカバーとナイキの招待者、モデルなどによるナイトラン大会も開催。同ブランドのデザイナー、高橋盾も10kmを完走した後、レセプションパーティーに参加した。パーティーでは高橋、ナイキとも親交のある浅野忠信がヴォーカルを務めるバンドSODA!がゲストとして登場。ステージ上から「ギャクソーーー!」を連呼し、パンキッシュに11シーズン目のスタートを祝った。「アスレジャー」の言葉とともにブーム化されつつあるファッションとアスリートウェアの共同開発ブランドの先駆けともいえる同ブランドは、ブランドデビュー時の2010年10月に国立霞ヶ丘競技場内で「逆走~夜の大運動会」を開催。以降、コレクションの発表はシーズン毎に行われてきたが、久々にリアルなイベントに東京のナイトピープルたちが集まった。発表された新作は、レイヤリングがテーマになっており、それぞれのアイテムを組み合わせることで、天候、気候や環境に合わせて素材の機能性を生かすランニングウェアを提案。ナイキ DRI-FIT ニット技術を使用したニットスリーブのフーディや、800フィルの軽量ダウンベスト、発汗分布図であるスウェットマップを元に、身体の熱が最も高くなりやすい部分の通気を促すようレーザーで通気口が空けられ通気性を高めたシャツやジャカードニットなど、実験的なデザインが取り入れられているのが特徴。ナイキの保有するリサーチデータを活用し、ランナーでもある高橋盾が率いるGIRA(Gyakusou International Running Association)がファッションアイテムとして形にした、アイデアに満ちた未来的で都会的なランニングウェアが発表された。会場では翌日の一般発売に先駆けて、会場に展示された商品のQRコードでアクセスすると先行で予約できるサービスも行われた。Text:野田達哉
2015年10月30日「年商1000億円に向けて」とニュースに見出しが踊った10月14日の銀座三越のリモデルグランドオープン。2010年の増床リモデルから5年が経過し、売上は当時の約600億円から750億円へと拡大。インバウンドの増加とともに、2020年に向けて周辺は大型商業施設のオープンも続々と控えている。街自体が大きく変化しつつあり、1,000億円は夢の数字ではなく実現可能な目標となった。三越伊勢丹ホールディングスの大西洋・代表取締役社長が集まった記者たちに「1,000億円は視野に入った」と語った、銀座三越グランドオープン時の会見インタビュー全文。―まず、今回のリモデルに関しての感想はいかがでしょうか?大西:リモデルというのはスポット的に行うというよりも、お客様の変化に対してお応えできているかが全てです。5年前のリモデルで大きな課題だった婦人服の売上が厳しかったことで、結果的に食品のシェアが大きくなってしまいました。今回のリモデルでは婦人服の独自性や編集ショップの強化が課題でしたが、正直、まだ道半ばと言わざるを得ません。この銀座の街で独自性を出していくには、ブランドに頼らない、婦人服の本当の編集平場をもっと作らないといけないと思っています。―その課題とは具体的にどういう部分でしょうか?大西:今回の課題は、5年前に増床した東側4階で大きなブランドを集積して効率が非常に悪かったという部分をどうするか、ということでした。結果的に、その修正がブランドの入れ替わりになってしまったということは否めません。そこは思い切って編集にするとか、本館の3、4階(の自主編集売り場)があるなかで、もう少し自分たちでMDを構成するべきではなかったか、という反省点はあります。―伊勢丹新宿店でできている“独自性”がなぜ、銀座店で実現するのが難しいのでしょうか?大西:難しい質問ですね。お客様のテイストが違うことも事実です。今は商品統括部が横串で通っており、バイヤーがMDを統括しているので、新宿店でやったことを銀座店でということは可能なはずですが、この2年で実施した組織の変更がまだ十分に機能しきれていないということと、後は、ブランドの入れ替えではなく、“独自性”を持ったMDをまず優先して店づくりを行うという強い意志が十分に発揮されていないということだと思います。―自主編集に関して、全体のどのくらいの売上シェアを目標としているのでしょうか?大西:会社全体では仕入構造改革を含めて中期的に25%を目標にしています。ただ、銀座店と新宿店はこれを上回らないといけないと思っています。銀座店では、新館4階のラグジュアリーと本館平場MDの精度向上をどのように行っていくかが鍵だと思っています。―今回のリモデルによって売上はどの程度増加を見込んでいますか?大西:私は5年前に銀座4丁目の角でこの店を構えたら最低1,000億円はやらなければダメだと言いました。当時の店長、統括部長にそれは無理だと言われましたが、今やそれは実現可能な目標となりつつあります。8階にオープンする空港型免税店の売上は公表していませんが、それを含めると現在800億円強は目指せるので、将来的には1,000億円が視野に入ってきていると思います。―2020年に向けて銀座の街が大きく変化してきていますが、その中で銀座三越が目指す方向性は何でしょうか?大西:銀座の街自体が大きく変化しています。以前の銀座は良い意味で整備されて「世界の銀座」と評価されましたが、今は良い意味で多様性のある街になりつつあります。この店を中心に晴海通りの東西の街並みは全然違います。その中心で商売をさせていただいているからには、当社の強みを発揮していかなければいけないと思っています。銀座の街にどう影響を与えるかということも重要ですが、新しいお客様に来ていかなければならないと思っています。ご来店いただいているお客様は年間2,000万人いらっしゃいますが、売上は1,000億円にも満たないということが課題ですので、ご来店いただいたお客様に対して本当に一対一のおもてなしをして、買い回りしていただける環境を作ることが重要だと考えています。―新しいお客様というのはどの層でしょうか?大西:この数年、特に都内東部、湾岸エリアにお住まいの比較的若いファミリーのお客様が増えていますが、銀座は本来商圏が広い場所なので、都内西部のお客様にも来ていただける店作りをと考えています。―今後さらに銀座は来街者が増えることが予想されますが、入店客数はどのくらいの伸びを見込んでいらっしゃいますか?大西:銀座店の店舗面積(約37,000平米)なので、現在の2,000万人を3,000万人にとは考えていません。それよりも一人あたりの購買額を増やすことの方が重要だと思います。婦人服が弱いため、食品のバランスが高くなり、どうしても客単価が下がってしまいます。もっとファッションを打ち出す店にすべきだと考えています。―今回のリモデルにおける外国人観光客に向けての対応はございますか?大西:外国人観光客だけということではなく、対象とするお客さまの関心度を分析して店作りをしなければならないと考えています。現状この店の外国人のお客様の売上は20%を超えており、そのお客様に対応したMD構成にしていきますが、一方的にそちらに向かって対応を進めていくと言うことではありません。そういう意味で、今回のリモデルでは外国人のお客様に関しては、年内にオープンを予定している空港型免税店で対応していきたいと考えていますが、決して外国人のお客様向けの店づくりを進めるわけではありません。―来春にはロッテも市中免税出店というニュースもあり、今後、市中免税店は増えていくと思いますが、市中免税店での三越伊勢丹らしさはどう打ち出していく方針でしょうか?大西:大きな括りの中でラグジュアリーや化粧品というのはありますが、我々らしさということでは「ジャパンプレミアム」をしっかりブランディングしていきたいと思っています。8階の市中免税店は、その初めてのお披露目となる予定なので、我々にしかできない日本の良いモノをどれだけプレゼンテーション出来て、評価いただけるかがロッテさんなど他の市中免税店との差別化になっていくかと思います。Text:野田達哉
2015年10月29日ルミネが16年春、JR新宿駅新南口に開業する商業施設「ニュウマン(NEWoMan)」の内容が26日発表された。エリア初出店のおすすめショップをフロア別に解説 甲州街道沿いに現在建設中の32階建ての高層ビルJR新宿ミライナタワーの6フロア5,600平米と、新宿新南口駅構内(エキナカ/エキソト)を含む線路上空部3フロア2,000平米の売り場面積で展開。ショップ数は約100店舗、初年度売上高は約200億円を見込んでいる。エキナカ部分と駅上の一部が4月中旬に、それ以外の部分は3月下旬の2期にわたってのオープンを予定している。今回の新商業施設は、既存のルミネ各館とは全く異なる「女性が輝き続けることができる経験と価値を提供する」ことを新しいコンセプトに、イベントホールや保育園、クリニック、屋上菜園など物販以外の施設、周辺環境を含めた総合施設としてのトータルプロデュースに挑戦。街づくりの視点で、渋谷、丸の内、品川、池袋など東京都内で再開発が進む他のエリアの「模範となるべき例を新宿が作っていく」と新井良亮ルミネ代表取締役社長。そのため、駅と商業施設が街として一体化した環境デザインを提案するため、デザイナーにシナトの大野力を起用。ウッドを基調としたデザインで駅コンコースからエキナカ、ニュウマンから広場への境界を感じさせないことで街のつながりを意識し、地域との連携、共生を大きく掲げている。テナントは約8割のショップが新宿エリア初の出店で、ユナイテッドアローズの「アストラット」、トゥモローランドの「イザベル マラン エトワール」と「スーパー ティー マーケット」、「エストネーション」、「メゾンキツネ」、オンワードグローバルファッション、ハーモニープロダクツなど国内アパレル、大手セレクトショップの新規業態店舗の導入が発表された。また、ルミネ直営レストランとして米国西海岸の「800ディグリーズ ナポリタン ピッツェリア」の日本1号店を出店。その他飲食では、新宿エリア初出店となる「トラヤカフェ」、軽井沢が本店の「ベーカリー&レストラン 沢村」、日本初上陸のNYウエストヴィレッジのトラットリア「ローズマリーズ」などを展開する。今後、日本のものづくりを発信するココルミネ初の実店舗など直営への取り組みを強化。積極的に直営店舗の運営と商品開発・販売に取り組むことで、直営のノウハウを蓄積していく考え。text:野田達哉
2015年10月28日デビュー以来、一貫してハードパンクをベースにコレクションを展開するナインティナインパーセントイズ(99% IS-)が、16SSコレクションをスペインのシューズブランド・カンペール(CAMPER)とのコラボレーションで発表した。ランウェイはInstagramと連動して先行公開されていた今シーズンのコレクションテーマ「YORSTED」の映像作品でスタート。ショーはその映像とリンクした服を着たモデルが歩くという演出。チェーンソーで切り裂いたライダース、ガンクラッシュなど過激なダメージ加工を施したウェアに、足元はカンペールのブーツ、スニーカー。さすがに、靴は”破壊”されず、ダメージ加工ではなく、解体されたシューズがショーの演出として登場するにとどまった。今回のコラボシューズは「カンペール トゥギャザー(Camper Togather)」として、今秋冬はアイコンモデルのスニーカーとブーツ、16SSモデルではスポーティラインを加え、計7モデルを発表。CAMPER LABストアとオンライン、一部セレクトショップを中心に販売される。99%IS-は韓国人デザイナーのバジョウ(BAJOWOO)が11年SSよりスタート。14年SSに東京コレクションでデビュー。レディ・ガガ、ジャスティン・ビーバー、BIGBANGなどのセレブがステージやプライベートで愛用したことや、マッキントッシュのコートにスタッズを埋め込んだコラボでも話題を集めた。text:野田達哉
2015年10月27日D.TT.Kが先シーズンに引き続き、東京で2回目のプレゼンテーションを行った。メルセデスベンツファッションウィーク東京(MBFWT)のオフスケジュールとして、16日に実施されたインスタレーションは、南青山の首都高速脇にあるビルのテラスで、16SSコレクションを着用したモデルがパーティー会場でギャザリングするという演出。会場に招待されたゲストたちが自由に写真を撮ってSNSで発信するという、この数シーズン海外でのメンズコレクションでよく見られるスタイル。ブランドを支持するマーケットに向けて、他の東京コレクション参加ブランドとの立ち位置の違いを明確に打ち出した。今年3月に行われた15-16AWコレクションは、スウェーデンのヒップホップクルー、Yung Lean&Sad BoysのライブをMBFWTの公式イベントとして開催。ランウェイを期待したファッション関係者を煙に巻いた。そのイベントスタイルが論議を呼んだことがあっての反省か、今回は最新コレクションをしっかり見せるという形式をとりつつ、自分たちのスタンスでのプレゼンテーションとなった。発表された16SSコレクションはロゴワークをメインにスウェット、ダメージ加工したデニム、ライダースジャケットなどディテールにこだわって作り込んだアイテム。コレクション点数はわずかながら、13-14AWのデビューシーズンから継続されるグラフィックとスペーシーな未来感が共存したラインは5シーズン目を迎え、ミラノのマルセロ・バーロン、ニューヨークのフッド・バイ・エアー、パリのピガールなどに代表される新しいブランドカルチャーとの同時代性を感じさせる。text:野田達哉
2015年10月23日公表されているリリースや資料などには“敬愛する画家へのオマージュ”としか記載されていないが、その画家がマティスであることはファーストルックを見れば明らか。ヒロココシノの16SSコレクションは15日、恵比寿ガーデンホールで行われた。マティスの切り絵からインスピレーションされた色の洪水は、さまざまな花のプリントやレーザーカットされたモチーフに形を変えてランウェイに咲き乱れる。さらに花、ボタニカル、アニマルプリントがミックスされたコレクションは「シュールな画集」というテーマそのもの。より光沢感を増したコーティング、パンチングやラミネート、ヒートカットのスカラップなど、最先端のハイテク技術が駆使された素材や加工の贅沢さとともに、縁に墨をにじませトンボが手描きされたフィナーレの白のシルクドレスまで、洋服のテクニックが詰まった分厚い一冊の画集で構成された。ヒロココシノの長いコレクションの歴史の中でマティスがテーマになったのは初めてのことだという。「服に落とし込みやすいテーマだから、あえてこれまではやらなかった」とデザイナーの小篠弘子本人がショーの後、明かしてくれた。「今なら、少し辛口な表現でやれば面白いかなと思って」と笑う。次のコレクションは「自分の原点に戻る」とその声は力強い。text:野田達哉
2015年10月22日ケイタ マルヤマ(KEITA MARUYAMA)の2016春夏コレクションは「あさきゆめみし」がテーマ。デザイナー・丸山敬太の変わらぬロマンティックな世界が、“なつかしい日本の匂い”ともに繊細なアイテムで繰り広げられた。刺繍、レース、縫い取りといった日本の手技がドレス、スカート、コート、ニットなどのベーシックなアイテムやリゾートアイテムに落とし込まれ、モチーフは日本の伝統柄が言葉あそびのように重ね、映されている。花、水、雲などののきものの文様はシャイニーなペールトーンのドレスやスカート、流れるような雲や菱文様の織柄のワンピースやコート、ツバメに柳はオーガンジーに刺繍のドレスにと一貫してぶれない贅沢なケイタワールドを展開。特に鶴、虎、富士山、梅、桜など和柄オンパレードとなったお得意のスカジャンは、今シーズンのマストバイアイテム。2014-15秋冬から同ブランドの事業を引き継いだマミーナの元、グローバルな展開に向けたコレクションは全体を構成するカラーパレットだけではなく、明るくなった印象。継続するエレガンスを、静かに強く感じさせるコレクションとなった。text:野田達哉
2015年10月20日メルセデス・ベンツ ファッションウィーク東京(MBFWT)16SSのオープニングは、トッド・スナイダー(TODD SNYDER)の日本で初めてとなるコレクションが飾った。12日に行われたショーでお披露目された16SSコレクションは、同ブランドらしいリラックスしたメンズウェアをリヴィエラ、アマルフィ、カプリ島などのイタリアのリゾート地、建築からインスピレーションを得たというインディゴ、アクアブルーを中心としたアイテムで展開。多くのスタイルがショートパンツとのスタイリングながら、足元は黒のプレーントゥと、今のニューヨークスタイルをトッドらしいスポーツとクラシックのミックスで表現した。今回の東京でのショー開催にあたり、「20年前から50回以上日本を訪れている」というトッドは、スタイリストでカメラマンの熊谷隆志を起用。コレクションにヴィンテージアイテムを織り交ぜるなど、東京的なリアリティをステージで表現した。プロのモデルに混じって俳優の真木蔵人、水上剣星、サーファーの木下デイヴィッド、ジャンティークの内田斉、Bedwinデザイナー渡辺真史、ツリーハウス・ビルダーの小林崇、建築デザイナーのアストリッド・クラインなど東京をベースに活躍する、「(トッド・スナイダーと)審美眼が共通し、確固たるスタイルを持つ」アーティストやクリエイターなどをモデルとして起用。ベーシックなアイテムのランウェイに華を添えた。text:野田達哉
2015年10月20日ランウェイに敷かれたままのビニールの上を歩くモデルの危うさは、コレクションのテーマそのもの。開演前からそのビニールはいつ取り除かれるのか、あるいは取り除かれないままショーがスタートするのか、客席の話題だったが、ショーはそのままスタート。6月にミラノで発表されたメンズと同じテーマの「Ambiguous daze in my ambiguous days」は、ファセッタズム(FACETASM)のウイメンズの新しい方向性を示した。メルセデス・ベンツ ファッション・ウィーク東京16SSの初日、10月12日に東京の夜景の見えるビルの狭い通路で行われたファセッタズムの16SSコレクションは、ミラノで発表された時よりさらに客席の近くをモデルが歩く演出。流れる時間の一瞬を切り取ったかのようなメイクとヘアは、同ブランドのコレクションを以前からサポートするyUKIとABEのコンビによるもの。デザイナー落合宏理の世界は、「東京のモード」という線上を着実に歩んでいる。結ぶ、繋ぐ、巻く、結わえる、重ねるという表現が、ルックのキーモチーフとなってショーが進行。モールで凹凸のあるチェック、ストライプの素材、反射板と蛍光カラーの工事用ベスト、ウーステッドのスーツ生地はセルベッチを生かしスパイラルスカートにと、メンズで発表されたアイデアは女性らしく、フェミニンなアイテムに仕上げられた。MA1やスクールソックス、ライダースのレザーベストといったアメリカンなストリートカジュアルがソースとなったアイテムを、チャイナボタン(カンフーボタン)に代表される繊細なディテールのアイテムが覆うスタイリングなど、深読みさせるコンセプトと共に、モードにこだわる新しいファセッタズムの“一面”を見せた。text:野田達哉
2015年10月16日トッズ(TOD’S)のバッグの今秋冬シーズンプロモーションを英国の写真家デビッド・ベイリー(David Bailey)が撮影している。「THE CAPE ATTRACTION」と題されたこのコラボレーションは、「トッズ ケープ バッグ」をアイコンに、D・ベイリーが独自の解釈で表現したものとなった。D・ベイリーにとって、今回が初めてのバッグが主役の作品となり、「女性とこの特別なバッグとの独特な関係を見せたかった。それは親密で深い関係であり、強く妖艶である。バッグは女性の欲望の対象であり、彼女の宝物と秘密を最も忠実に守るもの」とコメントしている。今回の企画は、兼ねてから親交のあったトッズ会長兼CEOのディエゴ・デッラ・ヴァッレからの依頼で実現したという。D・ベイリーとしては珍しく、バックステージ・ショットも公開されている。トッズのアイコンバッグとして今秋冬で2シーズン目を迎える「トッズ ケープ バッグ」はレザー同士を重ね合わせ、サドルを巻き込んだようなデザインが特徴。■text : 野田達哉
2015年09月28日アミ アレクサンドル マテュッシ(AMI Alexandre Mattusssi)の日本におけるフラッグシップショップが12日、東京・表参道のGYRE1階にオープンした。2011年パリメンズでデビューし、またたく間に人気を獲得。2013年に「ANDEM Fashion Award(フランス国立モード芸術開発協会ファッションアワード)」を受賞したことで、世界的に販路が拡大している同ブランドにとって、本国のフランス国外初の路面店となる。現在パリで3店舗の直営店を展開しており、パリの店舗も手掛けたカール・フォルニエとオリヴィエ・マーティーによる建築デザインユニット「STUDIO KO」が今回の表参道店の設計を担当。AMIの最新ショップ、サントノーレ店のモダンな内装デザインをベースとしているものの、これまでの店舗とはまったく違ったコンセプトで仕上げられたという。GYREの周囲の環境を生かし、大理石と籐、コルク、真鍮のレール、ミラー、植物と異なる素材を意識的に掛け合わせることで、東洋と西洋の異なる質感がコンバインする印象を空間に与えている。「AMI の旗艦店を考えた時に場所はここ(GYREの1階)しか考えていなかった。ラグジュアリーブランドとストリート系のショップが交差するこのロケーションは、パリのリアルクローズであるAMIにとってふさわしい場所」と同ブランドの関係者は話している。前日のオープニングレセプションは同ブランドのファンや友人たちが、来日したアレクサンドルを祝福。AMI(フランス語で友達の意味)のロゴスウェットと赤いニットキャップが表参道のGYRE周辺にあふれた。■text : 野田達哉
2015年09月22日デジタル、WEB、スマートホンなどの普及に従って、変化が急に見えるデザインだが、果たしてそうなのだろうか?カメラのデザインはフィルムの頃から変わっていないし、アップルウォッチも旧態依然とした時計の形。デザインは進化を止めたのか?「ダーウィンが怒るよ」とニコラは笑う。20年以上東京でデザインオフィスを構え、日本語でインタビューに答えるグエナエル・ニコラ。日本人が気づいていない日本のシステムの先進性について話す。ロングインタビュー最終章。――地震も多い日本になぜ25年も?なぜだろうね?(笑)この小さな島国で約1億3000万人が暮らすためには。無駄を省いて、システマティックに運用しなければ社会は回らない。それはすごく先進的です。実は外国はあまり日本のことを分かっていない。ゴミの分別やリサイクルの方法や、エネルギー循環の問題もずっと昔から考えられて、日本という国が回っていることを海外の国は知らない。プリウスが発売されたのは18年前。すでに第4世代のプリウスが準備されていています。街の開発もすべてシステマティックに進んでいる。丸の内のエリア開発にしても15年前、もっと前から計画され、さらに今から15年後、30年後のことを見据えて進んでいる。今、建てているビルも30年後に壊して、次はどこに移転するという青写真のもと、計画が進んでいる。先日開通した首都高の環状C2にしても50年以上前から計画されていたことなのでしょう。ということは次の50年後のプランが既にあるということです。誰かが計画をして予定通り進んでいる。明日のことが、今決められているのではないのです。新しい車社会の準備もできているけれど、日本の技術は発表の時期を待っている段階。日本はプログラムソサエティという感じ。――デザイン的にはどうでしょうか?都市計画や技術の先進性に比べて、デザインの分野は遅い。うちの事務所にも言えることですが、これだけの技術と社会的な背景を持っていながら、今すでに世間にある技術を見てデザインをしている。私の目指すデザインはそうではなないのです。日本にはこれだけすばらしいバックグラウンドがあるんだから、それを使って新しいデザインをしたい。しかしながら、今はすべて待っている状態です。――日本の未来は明るいとお考えでしょうか?基本的に東京はオペレーティングシステム(OS)。コンピューターと同じでバージョンアップしていける。その仕組みは怖いと思うかもしれないけれど、それは無駄を省いた理想的なダイナミズムを持ったシステムだと思います。東京は政治とは関係なく、社会がしっかりしており、企業や人のレイヤーがちゃんとある。コアがしっかりしているので大丈夫です。変化に対して柔軟に対応できる。ヨーロッパは変化するものと変化しない物、静と動がセパレートしており、各国の文化がどんどんミックスし、コアが見えなくなっている。ひとつのシステムでの柔軟な対応が難しい。その点、日本はすごく未来的だと言えます。すごくシステマティックです。――近代以降、効率を求めることで発展した国ということもあるでしょうね?コンビニエンスストアに代表されるようにすべてシステムで運営されて、いろんなファンクションが集まって、街に店がなくなりつつあります。でもこれからは、コンビエンスストアのシステムが街に出て行く。コンビニのシステムを使ったストリートが形成されていくのではないでしょうか。電気や電話や銀行などのインフラもそのシステムで運営され、三菱の電気自動車が走り、三菱のマンション、三菱の銀行など企業グループがシステマティックに街を形成していくのが未来的な東京の構図でしょうね。それによって、昔の商店街の形が再形成されるかもしれない。それは非常に効率的です。東京の問題は土地の値段が高いことと、車のトラフィックの問題。それを解決するアイデアも私にはすでにあるので、その種をどこで発表するか模索中です。――車のデザインもしているのですか?今、未来の東京のショートムービーを作りたいので、車もデザインしています。止まっているリアルワールド――新しいデザインとは何でしょうか?現代はすべてREデザインの時代で、昔の物の焼き直しがほとんど。新しいことが分からないからリユースしているだけで、それは止まっているということです。ダーウィンが怒りますよ。いらない物は捨ててしまって次に行かなければならない。レットイットゴー。デジタルカメラの技術はすごく進化しているけれど、みんな形はライカ。私はニュータイプを生み出したい。国の文化の違いによって箸やフォークが生まれたけれど、すべてがオープンな時代になった今、私は固有の文化を超えたものを生み出したい。1930年代のアールデコのデザインを見ても、あの時代に変えなければならなかったから、あのデザインが生まれたんです。新しいといっても美的価値だけじゃなくて人間の生活を変えてしまうデザインが必要。――それはデジタルが人間の生活に深く入り込んだ社会に変化したから、それに対応したデザインが必要と言うことですか?デジタルは人の時間を奪っている気がします。以前にはなかったデジタルに関わることで取られる時間が一人の時間を取っている。それによってできないことが増えている。社会のデジタル化が人の生活にプラスかマイナスのヴァリューは、まだ結果が出ていないと思います。本を読むには勉強のためとか、リラックスするためとか理由があるのだけれど、今はどんどん情報が入ってきて。その入ってくる情報を飲み込んで、咀嚼して消化する時間がない、ひとつのニュースを読んだら、次のニュースがもう届いているという状況。みんな情報を消化できず、現実がバーチャルの世界にシフトして、リアルワールドは止まっているように見えます。――現実の世界は止まってしまっている?バーチャルはすごく変化しているように感じるけれど、実は何も変化していない。フェイスブックで友達がいっぱいいるように感じるけれど、実はそんなに友達はいない。友達を作るのには一緒に遊びに行ったり、すごく努力がいるけれど、バーチャルな世界はコンビニエントなだけで実態がない。何を食べたのか?何を見たのか?何か知らないけど、なんか食べましたって感じです。以前は必要だった生活における努力をすべて失ってしまっています。それはすごく怖いことだと思います。デジタルの進化により時間だけは短縮されているのです。探している物がすぐに見つかるのですが、でも本当に探している物は見つからなくなっています。結果はすぐに表示されますが、そのプロセスは表示されない。クリエイターにとってはグッドデザインが次々に見つかるけれど、自分が何を望んでいるのかを探すのは難しい。コピーペーストの編集の世界になってきています。私の仕事は、みんながコピーしたくなる、真似したくなるデザインをすることだと考えています。■interview & text:野田達哉--インタビュー「グエナエル・ニコラに聞く、日本のデザインの未来」を最初から読む。
2015年07月19日グエナエル・ニコラが手掛けたパフューム「キュリオシティエッセンス(CURIOSITY ESSENCE)」。300個限定で作られたこの香水は、同名のモノグラフ(作品集)のコンセプトが踏襲されている。「永遠は、一瞬一瞬に存在する」。空中に浮かんでいるかのような一滴がもたらす波紋。茶寮に向かう庭園をイメージした香りは、和菓子、緑茶、シナモンと白檀の香りとノートが変化する。日本的なデザインとは?ロングインタビューの第3章。――あなたにとって、日本のデザインとは?日本のイメージはミニマリストのイメージです。引き算のデザインだと言われているけれど、何もしなくても結果が出てくるようなイメージ。私はそれをマスなものでもそれができないか考えています。大きな物を作るときにも引き算をして、なるべく物を作らないデザイン。――モノを作るときにはモノは作らない、禅問答のようですね。いつもよくする比喩ですが、水の中に石を入れる時に、その石がどこに行くのか?を考えるのがアメリカ、その石が何なのか?どこの石なのか?が気になるのがフランス、水の波紋が気になるのが日本。国によってそれぞれなのですが、私もエフェクトが気になるのだけれど、石がなくても水の波紋は作れます。私がデザインで伝えたいのはそういうことです。――初めからインテリアデザイナーを目指していたのですか?僕は5人兄弟で一番上の兄が建築家、3番目の兄が映画のCGのムービーディレクターだったんです。だから2つの世界が融合されています。以前はデザイナーを目指すときリアルな世界を作るデザイナーになるか、バーチャルな世界を作るデザイナーになるか決めなければなりませんでした。自分自身はリアルとバーチャルの世界をどうコネクトするかを考えていました。最初は映画のアートディレクターになって、映画の中の世界を作りたかったのですが、1本の映画の世界を作り上げたら終わってしまう。そのことに疑問を持ち始めて、リアルなモノを作ることに意味があると思い、日本に来ました。日本は“リミット”がないでしょ。東京はデザインに制約がない。フランスは特に建築で新しい物を作ることはさまざまな制約があって難しいのですが。東京はその問題をクリアしています。地震があったり、コストが高くついたりと問題もありますけれど、デザイナーにとってはパラダイスな都市です。――それはパリにいるときに分かっていたのですか?日本に来るまでは分かりませんでした。外国にいると日本のことはまったく分からない。ブラックホールというか、ホワイトホール。分からないけどいい感じ(笑)。日本に来てから、文化の深さを知りました。――日本がデザイナーにとってパラダイスだということは、海外で理解されているんですかね? ニコラさんが来日した20年前に比べて、日本でデザインしたいと思っているデザイナーは増えているのですか?日本に来たいと考えているデザイナーは増えていないですね。若いデザイナーや学生は、有名なところや、そのときに元気な国や都市、場所を目指します。今なら上海や香港に見に行って、写真を撮って、新しい建築を巡りますが、個人的には、本当は場所は関係ないと思っています。私が初めて東京に来たときは、だれが、それを、作っているのかを探しました。時代によって、プロデューサーだったり建築家だったり、時代と人が大事で、場所は関係ない。その時代とその場所のダイナミクスさとコネクトしなければならない。私の場合は坂井直樹さんに手紙を出して、会うことが出来て、すごくお世話になりました。お寺が好きで日本に来ましたとかは自分に関係ない。――日本と言うよりTOKYOですね。日本は止まれない。地震もあるし、止まることにリスクがある国です。選択の余地がない。それが良いのかもしれません。ヨーロッパは止まるという選択肢があるけれど、日本は止まれない。前に進み続ける、加速して行く感じが私は好きです。特に東京はハイスピードなトレンドで動いている都市です。それにノルか、ノリたくないかという判断だけ。乗りたくない人は乗らなくて良い。そのスピードはすごくエネルギーがあり、周囲を引っ張っていく力がある。コラボレーションするにしても、一緒にこの東京にノッていきましょう、という感じ。デザイナーはアイデアがあれば一緒に物が作れますから。「日本では出来ることの上限、海外は失敗しないため方策を探っている」――日本と海外と仕事をするときの違いは何ですか?日本と仕事するときはいつも限界がどこにあるのかを探っています。日本人は控えめなので、完璧に出来ないことに対してイエスとは言わない。本当はどこまでできるかを探しています。外国と仕事をするときは失敗の可能性も考えている。施工途中の現場の写真などが送られてきたときに、なぜそうなってしまったのか分からないということが、海外では多々あります。なので、次は失敗が起こらないデザインを考えなければならない。コンテンツマネージメントデザイナーという役割ですね。――今回、作品集と一緒に発表された香水ボトルのデザインは非常に日本的ですね。おまけに桐の箱入りです。ボトルの制作をお願いした菅原工芸硝子さんには最初直径8mmの瓶口をリクエストしたのですが、このデザインは無理だと断られました。しばらくして9. 2mmまでしか無理でしたと、申し訳なさそうにサンプルを持って来られました。ガラス工芸職人がチャレンジしてくれたんです。デザイナーにとってはその誤差は全然OK。私は涙が出るほど感動しました。フランスだとOK、出来ますと言って、8mmのオーダーが3cmで来ることもある。日本のクラフツマンシップの技術はすごいですよ。――フランスやイタリアの技術も高いと思いますが?確かにそれはそうです。ヨーロッパの職人と日本の職人の技術はすごく似ています。違うのはそのプロセスです。ヨーロッパの場合、目的は完璧に近づけることで、アルティザンとインダストリアル製品の境目がどんどん近くなってきています。日本は完璧を目指しているのですが、完璧なものを一度壊して、捻り(ツイスト)を加えて、また違うクオリティを生み出します。マシンと人の違いはジャッジができるかできないかなのです。イッセイミヤケのプリーツプリーズはマシンで作られますが、イッセイミヤケ本体の商品ではハンドメイドの美しさを少し捻って生み出しています。デザイナーはそのジャッジをする役目を果たさなければいけないのです。マシンでは生み出すことのできない、人間の手仕事が生み出す美しさを判断をする役割が需要なのです。■interview & text:野田達哉--次回、最終章(4/4)では日本固有のシステムやデジタルの未来について話を聞きます。
2015年07月19日ハイブランドとファストファッション両方の空間を手掛けるグエナエル・ニコラ。ファッションにおいてその“出会い”は、“時間”のコントロールが重要なのだと言う。東京でデザインをスタートして約25年のキャリアとなる、グエナエル・ニコラのロングインタビュー。1/2に続き、彼のデザインの考え方について問う。――「ユニクロ」と「ルイ・ヴィトン」の空間をデザインするときの最も大きな違いを教えてください。「ユニクロ」の場合、カスタマーと商品は0.5秒でぶつかるインテリアデザインが必要です。その段階で購買を決断させることが重要なんです。「ルイ・ヴィトン」の場合は違います。カスタマーが商品と出会うまでの時間が重要で、店に入ってからすぐに商品とコンタクトする必要はなく、深さとスピードをコントロールするためにレイヤーを作って、ゆっくりとポイントを作っています。デザイナーの仕事はスピードをコントロールする役割なのです。このプロジェクトはハイスピードかロースピードか?ミドルはありません。早く売りたい商品なのか、時間をかけて売る商品なのか。誰もが認める良い商品は早く売る必要はなく、時間をかけて売ればよいのです。ファストファッションは今日買わなければ明日はもう違う商品になっているけれど、ラグジュアリーブランドは雑誌で見て、店に来てそこでさらに知らなかった情報を広く与えられて、“迷って”“影響を受ける”ことも必要。それが空間のデザインに必要となります。――銀座・並木通りの「ルイ・ヴィトン」の店舗をデザインすることになったきっかけは?最初は時計の新しいコンセプトのサロンのプロジェクトの依頼でした。以前、LVMHグループのタグホイヤーの表参道の店舗デザインを手がけたことがきっかけです。並木通りの店のフロアの一角を、その時計の新しいサロンとしてのリニューアルの依頼だったのですが、新しいコンセプトを出したときにそのサロンの隣のスペースや全体のデザインがどうなっているかを確認しました。それはいつも自分がデザインに関わるときにやる作業なのですが、依頼されたスペースだけではなく、そのフロア全体、階段の位置、1階のエントランス、ファサードと次々に提案していきました。先方は頼んだのは時計のコーナーだけなので、「何?」という感じでしたが、当時ルイ・ヴィトングループ会長兼CEOのイブカルセル氏に直接プレゼンテーションして、結局トータルのリニューアルデザインをやることになりました。――並木通りの店はファサードとエントランスを広げ、中央の階段の位置まで変更されましたね?関わるプロジェクトで自分の感じる気になるところは最初に言った方が良いと思います。インテリアデザイナーはそれぞれでルールがはっきりしている。人の動きや風水的に見てとか、いろいろ上手くいかないと思うプランは一旦リセットしなければダメです。――風水も考慮されるのですか?風水は非常に大事です。この(私の)事務所も風水はすごく良いですよ。私が最初にやった仕事はパリのサンジェルマンにあるプリーツ プリーズのショップのリニューアルでした。その店は窓の前に壁があることで気の流れが悪くなっていました。そのためか、開閉式の壁什器がいつも不具合を起こしており、まずその壁を取って窓を生かすデザインに変更しました。自然のエネルギーは重要です。扉は左側にあった方が良いし、階段の場所も人の動きに従ってあるべき場所は決まっています。それでないと店は上手くいかない。それはメンタルなことではなくて、自然のエネルギーなのです。――その考え方は日本的なのでしょうか?日本での最初の仕事は三宅一生さんにいただいた店舗デザインの仕事です。デザイン事務所で働いたことはないので、店をいろいろと見て回り、どの店が良い感じを与えてくれるのかを勉強しました。フランスにいるときはインテリアデザインの勉強はしましたが、実際に店を作ったことはなかったので、現場が勉強です。良い照明だと思ったら店で写真を撮って、そのメーカーを調べました。自分の心地良さを調べていくうちに、だんだんと自分の中で店舗デザインのルールが決まってきたのです。――ニコラさんにとってのデザインのルールというのをもう少し教えていただけますか?以前、音楽家の坂本龍一さんが映画の音楽を作るときに、3つのキーとなる音を探し出すことが大切だという話をされていました。その3つの音が決まれば、後はそれをベースに短い曲から長い曲まで自由に展開していけると、言うようなお話だったと思います。デザインで言えばアイコンと同じ。「ラコステ」でもルイ・ヴィトンでもユニクロでもその3つのノートを探すことが重要です。3つの音のコードを見つけて展開していくというのは、インテリアも音楽も同じ。香水も同じです。リアルワールドはバーチャルワールドとどうコネクトするか考えてデザインしている――ファッションメディアはWEBの普及に伴い大きくファストメディア化してきているのですが、WEBがニコラさんの仕事に影響を与えていることはあるでしょうか?私の仕事でいえば5年前、10年前とは大きく変わってきています。当たり前のことですが、店舗デザインは商品の見え方や、来店者にどういう体験をさせるか、というリアルワールドのデザインです。しかしそのリアルスペースはバーチャルワールドどうコネクトするかを考えて設計し、アイコンを作っています。パリのギャラリーラファイエットにオープンした新コンセプト1号店となるフェンディの店舗の一部のコーナーは完全にメディアのために作っています。オープンして1時間後には、そのウォールで写真を撮った人たちの写真が世界中にシェアされている。それは最初からその想定してデザインしているからです。――インターネットでどう拡散されるかまで、計算してデザインされているのですか?ビジュアルも雑誌やムービー、WEBでどこでどういうカットが使われるか全部想定して作っています。アイコンも含め基本となる3カットが自分の頭のなかで決まっています。ラグジュアリーブランドでは商品の撮影も、最近は店舗の空間を使って撮影されるようになってきています。これまでは広告デザイン、インテリアデザイン、プロダクトデザインがそれぞれセパレートしていましたが、今はミックスしてデザインを考えなければダメな時代です。私は以前から広告が大好きです。ブランドのメッセージは最新の広告や動画から得ることにしています。学生時代にはイギリスの20秒、60秒などの広告がすごく好きでした。ブランドのミーティングを始めるときに、インテリアブリーフをもらっても何も感じません。一瞬で伝えるべきテーマが大切なのです。そして、そういうジャッジができる人と仕事をしたいし、そういう人がいるかどうかが大切。ファッションブランドは一人のデザイナーや経営者がすべてを決めていくことが多い。ジャッジできる人と一緒に仕事をすることが楽しいですね。■interview & text:野田達哉--次回(3/4)は日本のデザイン、東京という都市について話を聞きます。
2015年07月18日